Avec des illustrations en supplément, pour vous souhaiter de Joyeuses Fêtes de Pâques 2018 !

 

 

Promenade gourmande, artistique et philosophique sur le thème de l’œuf... Quant aux poissons d'Avril, les coquins se cachent un peu, « supplantés » par cocottes et lapins mais je ne les oublie pas, sourires !

 

Œuf du Premier Avril de la Maison Réauté, crédit photo Réauté.

 

Floris Hendrik Verster (1861-1927), Bol aux œufs, 1915.

 

« Ab Ovo... » Au commencement était l’œuf, promesse de résurrection, que l'on plaçait dans les tombes pour accompagner l'âme des défunts vers un nouveau séjour.

 

 

De l’œuf naît et renaît la vie, quête incessante... Pondu par un initiateur sage et facétieux, le lièvre d'Ostara, la déesse germanique du Printemps, équivalent de la déesse anglo-saxonne Eostre (voir mon article intitulé Mystères et Traditions de Pâques), il signifie que des êtres nouveaux vont briser leur coquille.

 

 

Illustration de Marjolein Bastin

 

L’œuf cosmos

 

Même si l'on écrivait une encyclopédie sur ce thème, on trouverait encore des traditions orales et des récits non étudiés mettant l’œuf en scène comme point de départ du monde et de ses habitants !

 

L’œuf cosmique de William Blake (1757-1827)

 

Il existe une infinité de mythes fondés sur la puissance créatrice et poétique de l’œuf. Dans l'Égypte ancienne (mythe du dieu Thot et de l'Ogdoade Hermopolitaine), dans la mythologie hindoue (mythe de l’œuf de Brahma qui se divise en une moitié d’or et une moitié d’argent), chez les Incas où le dieu Viracocha crée le soleil derrière une immense roche noire, avec la coquille d'un œuf d'où jaillit l'humanité, dans le Japon Shintoïste où le ciel (léger et fluctuant) et la terre (dense) émanent d'un œuf parfumé, dans la Grèce antique où certaines statues du dieu Dionysos étaient représentées avec un œuf dans la main et dans plusieurs sépultures de l'ancienne Russie où l'on plaçait des œufs d'argile pour que les âmes puissent de nouveau s'incarner...

 

Kolobova Margarita, Ilmatar Birth of Nature.

 

Dans le Kalevala (le livre sacré des Finlandais), une déesse nommée Ilmatar sommeillait au fond de la mer. Brusquement, sous l'effet d'un rêve, la déesse bougea et ses genoux émergèrent de l'eau. Intrigué et séduit, le seigneur de l'air, incarné en canard, y déposa un œuf couleur de lune ou d'or. La déesse frissonna, la coquille se brisa et la vie apparut sur toute la terre.

 

Ilmatar, 1860, par Robert Wilhelm Ekman (1808-1873), illustrateur de poèmes populaires et représentant du romantisme finlandais.

 

« Tous les morceaux se transformèrent

en choses bonnes et utiles:

le bas de la coque de l’œuf forma le firmament sublime,

le dessus de la partie jaune

devint le soleil rayonnant

le dessus de la partie blanche

fut au ciel la lune luisante,

tout débris taché de la coque

fut une étoile au firmament,

tout morceau foncé de la coque

devint un nuage de l'air.

Le temps avança désormais... »

 

Œuf de Dragon par Bente Schlick, illustrateur allemand né en 1986.

 

Pour les alchimistes, l’œuf philosophique, l’œuf né d'un dragon ou d'un serpent, est un reflet de l’image du monde. Dans cet athanor, se produit l'émulsion qui permet d'aboutir à la pierre philosophale.

 

L’œuf Orphique de Jacob Bryant (1715-1804), savant, écrivain et mythographe britannique, 1744.

 

Le Mythe Orphique (environ 600 av JC) rapporte qu'au commencement était Chronos (seigneur du Temps), qui engendra Chaos (l'Infini) et Éther (l'aboutissement). Enveloppant le Chaos, la Nuit, « déesse aux ailes noires » stimula l'action créatrice contenue dans l'Éther. De cette « rencontre » naquit l’Œuf d'Argent, réceptacle de l'essence de Vie, qui engendra Phanès, la Lumière.

La Lumière s'unit à la Nuit et le Ciel, la Terre et l'Olympe où règne Zeus, seigneur de l'Éclair et de la Foudre, firent leur apparition.

 

Salvador Dali (1904-1989), Jaune d’œuf Soleil, 1955.

 

L’œuf est un être à la fois organique et associé à une étrange forme de « minéralité » qui a profondément inspiré Dali. Le maître voyait à travers lui la possibilité de relier toutes nos vies : vies antérieures, expériences intra-utérines et renaissances au fil de l'existence.

 

Cette puissante magie d'inspiration et de fécondité imprègne les œufs du folklore pascal.

 

Les œufs rouges de Pâques

 

Dans de nombreux pays, la coutume veut que l'on teigne les œufs en rouge pour célébrer Pâques. Rouge de la vie, couleur du sang, de la passion amoureuse, de la purification des maléfices et de la rédemption des pêchés.

 

 

La matrice de l’œuf est le réceptacle du mystère de la vie. Dans la Perse antique, il existait une fête du printemps, appelée « fête des œufs rouges ».

 

Dans le folklore celtique, le serpent de mer, à la fois géniteur de vie et destructeur de mondes, pondait, la nuit de l'équinoxe, un œuf rouge au creux d'un rocher. L’œuf magique rayonnait comme un soleil incandescent.

 

Dans la symbolique chrétienne, les œufs du Jeudi-Saint, décorés en rouge et « chassés » le dimanche après la messe pascale, évoquent le sang du Christ versé pour la rémission des pêchés.

 

L’œuf rouge de Marie-Madeleine

 

Dans une église orthodoxe, située sur le Mont des Oliviers à Jérusalem, un tableau relate l'offrande d'un œuf rouge à l'empereur Tibère, par Marie-Madeleine.

 

 

Marie-Madeleine demanda à Tibère de réhabiliter la mémoire du Christ. En signe de déférence, elle lui donna le seul œuf qu'elle possédait. L'empereur la mit alors au défi. Il ne trancherait en sa faveur que si l’œuf se teintait de rouge. Elle pria et le miracle se produisit!

 

 

Pour la petite histoire, on disait aux enfants de Vendée que les œufs étaient rouges parce qu'ils avaient « vu » à Rome les cardinaux paraître dans leurs grandes robes écarlates.

 

 

Le Vendredi Saint était autrefois traditionnellement consacré à la décoration des œufs. Les jeunes filles confectionnaient des « œufs d'amour ».

 

 

Pieds nus dans la rosée du matin, elles récoltaient les œufs et les teignaient de rose marbré de rouge puis elles les couvraient de vœux et d'inscriptions comme celles-ci « Par amour et par fidélité. », « Que la force de mon amour te lie à moi. » « Deviens, de mon vivant, celui dont j'ai rêvé en mon dormant. » Elles les cachaient ensuite dans des coffrets jusqu'au lundi de Pâques et elles les offraient à leurs amoureux.

 

 

Les œufs blancs et décorés de fleurs sauvages évoquent les cycles de la lune.

 

 

 

Réputés imputrescibles, les œufs du Vendredi-Saint étaient conservés sur les manteaux de cheminée. Ils offraient une protection contre la foudre, les morsures de serpents, les accidents, les chutes et diverses maladies. On les pensait également capables de « détecter les sorcières » si on leur chuchotait certaines paroles avant la messe de Pâques ou si on les faisait tourner sur eux-mêmes durant l'office.

 

Image Folkstar.pl

 

Leur pouvoir protecteur et magique était amplifié par les couleurs et les motifs dont ils se paraient. Teints en rouge, en violet ou en bleu, ornés d'arabesques, de triskèles, d'arbres stylisés, de soleils, de petits hommes dansants ou de fleurs printanières, ils éloignaient les maléfices, les fantômes et les tempêtes; ils attiraient la chance et la prospérité.

 

A Luzy, dans la Nièvre, la coutume prétendait que si l'on conservait pendant cent ans un œuf pondu le Vendredi-Saint et peint en rouge, son jaune deviendrait un fabuleux diamant.

 

 

Le dimanche de Pâques, les marraines et les parrains offraient à leurs filleuls les œufs du Vendredi-Saint, symboles de joie, de richesse et de sécurité familiale, sur un lit de paille tressé ou dans un panier d'osier.

 

Après le repas dominical, les facétieux de tous âges se livraient à des jeux folkloriques comme la toquette et la roulée.

 

Nikolaï Kochélev (1840-1918) : Enfants jouant à faire rouler des œufs de Pâques, 1855. Musée Russe, Saint-Pétersbourg.

 

La roulée était une sorte de jeu de boules, consistant à lancer, sur un plan incliné ou en s'aidant d'une longue tuile qui formait un petit toboggan, des œufs durs, de préférence colorés en rouge ou en bleu. Le possesseur du coquart, (l’œuf resté intact), dégustait les œufs cassés.

 

« Osterspiele » (Jeux de Pâques), gravure sur bois réalisée en 1880 d’après un dessin original de Carl Röhling (1849–1922).

 

Pour jouer à la toquette, comme vous l'apercevez au second plan de l'image, on tenait fermement un œuf dur, ne laissant dépasser qu'une partie de la coquille, afin de le faire « toquer » contre un autre. Le perdant payait sa tournée de friandises (enfants) et de boissons (adultes)!

 

 

Ces jeux étaient (et sont encore) très répandus en Russie mais aussi dans plusieurs régions de France (Lorraine, Alsace, Franche-Comté etc...). La tradition des Rolling Eggs existe dans de nombreux pays, avec certaines variantes.

 

« Easter Monday Egg Roll » en Angleterre où les participants font rouler des œufs depuis le sommet d'une colline pour « réveiller » les forces du printemps. (Photo geograph.org.UK).

 

Easter Roll en 1911, à Washington, dans les jardins de la Maison-Blanche (1600, Pennsylvania Avenue).

 

D'après certains historiens, cette tradition aurait été initiée par Dolley Madison, l'épouse du Président James Madison, en fonction de 1809 à 1817 mais d'autres chercheurs avancent que ces courses d’œufs auraient vu le jour entre 1860 et 1865, sous la présidence d'Abraham Lincoln (1809-1865). En 1872, des articles de journaux rapportent que les enfants s'amusaient à faire rouler des œufs de Pâques sur les pelouses du Capitole et que cela inspira, en 1876, à des esprits chagrins le vote d'une loi par le Congrès pour interdire ces jeux de plein air.

Ensuite, il semblerait que le président Rutherford B. Hayes, en fonction de 1877 à 1881, ait invité les enfants à venir à la Maison-Blanche pour faire rouler les œufs.

 

Course aux œufs, dans les jardins de la Maison-Blanche, le lundi de Pâques (photo de Chuck Kennedy). Les enfants sont pressés de pousser les œufs sur le gazon verdoyant avec une cuillère dotée d'un long manche.

 

 

Les gourmands collectent chaque année, avec un bonheur indicible, les œufs déposés sur l'herbe tendre ou cachés dans les habitations par le lièvre du printemps mais aussi par les cloches revenues de Rome qui rythmaient jadis, de leur timbre mélodieux, la vie des villages et des villes.

 

 

 

La découverte des œufs, gravure de 1889.

 

Les couleurs des œufs de Pâques

 

 

La couleur la plus répandue est le rouge dont je vous parlais plus haut, couleur du sang et de la vie, qui appelle la protection magique et repousse les forces malveillantes. On obtient un magnifique rouge cardinal en faisant cuire à feu doux des œufs dans du vinaigre avec des rouelles d'oignon.

 

 

Avec le marc de café ou l'écorce de chêne, on obtiendra des œufs bruns que l'on pourra glacer avec un peu de sucre. Les épluchures de radis donneront de jolis œufs rose pâle et le suc de betterave rouge des œufs d'un rose soutenu presque violacé. Les anémones pulsatilles, le jus de myrtilles et les baies de sureau teinteront les œufs en mauve, la racine d'ortie en vert jaunâtre, les feuilles d'artichaut, de lierre ou d'épinard seront à l'origine d'un vert franc...

 

 

 

Les œufs magiques d'Ukraine

 

 

Un rituel très ancien appelé Pyssanki, Pysanky ou Pyssanka, d'après le verbe pysaty qui signifie «écrire», était effectué, en Ukraine, vers l'équinoxe de printemps. Avec une pointe fine, une femme dessinait sur un œuf des formes dentelées à la cire d'abeille puis elle trempait l’œuf dans un récipient rempli de colorant dilué. La cire fondait et la femme reprenait l’œuf pour en redessiner les motifs avant de le plonger dans un bain plus foncé. Pendant qu'elle accomplissait le rituel, d'autres femmes récitaient des prières mêlées d'incantations. Les œufs étaient conservés jusqu'à l'année suivante.

Sur cette photographie issue des collections du Musée Canadien de l'Histoire, on voit une maman ukrainienne et ses enfants accomplir des gestes ancestraux.

 

L'entrée du musée des œufs de Pâques à Kolomiya en Transcarpatie (ua-travelling.com). On y apprend tout sur les œufs depuis les premiers temps du Paganisme.

 

 

Des œufs chargés d'histoire...

 

 

Autrefois, quand l'année commençait, aux alentours de Pâques, les œufs « pâquerets » symbolisaient « officiellement » le réveil des forces calendaires. Avec l'édit de Roussillon promulgué, le 9 août 1564, sous le règne du roi Charles IX (1550-1574), l'année débuta le premier janvier mais l’œuf, aux vertus aussi gourmandes que mystiques, continua d'être échangé comme cadeau majeur.

 

Associé aux différentes théogonies, l’œuf connut, dans toutes les couches sociales et à toutes les époques, une importance historique.

 

Au Moyen-âge, à Paris, les clercs et les étudiants chantaient l'office des Laudes sur le parvis de Notre-Dame. Ils formaient ensuite un joyeux cortège et parcouraient les rues afin de « quêter les œufs » pour le festin pascal.

 

Dans les campagnes de France, les enfants et les jeunes gens accomplissaient leur tournée, de maison en maison, en égrenant des comptines à caractère magique ou des chants licencieux.

 

Jusqu'à la Révolution Française, pendant la semaine de Pâques, les officiers de bouche parcouraient l'Île de France pour y collecter les plus gros œufs. Une fois dorés et bénis, le roi les offrait, en personne, aux gens de sa maison.

 

 

 

Les œufs précieux

 

Les œufs-bijoux naquirent en Russie à la fin du XVIIIe siècle mais en Angleterre, on trouvait des œufs couverts d'or et incrustés de pierres précieuses dès le XIIIe siècle et traditionnellement, le roi de France faisait distribuer des œufs d'apparat à la Cour, entre le XVIe et le XVIIIe siècle. Le roi Louis XV (1710-1774) offrit à sa maîtresse, Madame Du Barry (1743-1793), un œuf abritant une figurine de Cupidon qui connut un grand succès.

 

Cette œuvre est signée par le joaillier Pierre-Karl Fabergé (1846-1920), artiste concepteur de la série des œufs de Pâques impériaux, sous les règnes des tsars Alexandre III (1845-1894) et Nicolas II (1868-1918).

 

L’œuf de Pierre le Grand, 1903.

 

L’Œuf aux douze monogrammes, en émail bleu, or rouge et diamants, 1896, cadeau de Nicolas II à Maria Feodorovna. (Hillwood Museum Washington DC).

 

A partir de 1884, Pierre-Karl Fabergé devint le fournisseur officiel de la Cour Impériale. Sollicité par toutes les Cours d'Europe, il « régnait » sur de prestigieux ateliers qui accueillaient plusieurs centaines d'artisans.

 

Ouvriers Fabergé dans un atelier en Russie, vers 1900. Photo Fabergé SA.

 

Commercialisées de manière internationale, ses créations figurent dans les plus prestigieuses boutiques de Moscou, de Londres et de Paris.

 

L’Œuf à la Poule, en or et en émail blanc, cadeau d'Alexandre III à la tsarine Maria Feodorovna, née princesse de Danemark.

 

 

Il s'agit du premier œuf confectionné par Fabergé, en 1885. La poule en or chatoyant abritait une couronne ornée de petits œufs en rubis. L'impératrice apprécia tant son cadeau que le tsar commanda tous les ans un nouvel œuf au joaillier. Après la mort d'Alexandre III, son fils Nicolas II poursuivit cette tradition jusqu'en 1917, année de la faillite de son pouvoir.

 

L’œuf au cygne, en émail mauve, cristal, or, argent et aigue-marine, cadeau de Nicolas II à Maria Feodorovna en 1906.

 

L’œuf au treillis de roses, 1907, en or, diamants rose-thé et feuilles d'émeraude.

 

Les œufs gourmands

 

 

 

Dans les années 1780, l'apothicaire Joseph Storrs Fry (1769-1835) ouvrit une petite manufacture de pâte de chocolat à Bristol, en Angleterre, sous le nom de « J.S. Fry et Sons ». Il conçut la première broyeuse hydraulique pour fèves de cacao et, convaincu que le chocolat était doté de vertus médicinales, il fournit en « matière première » des salons de thé et de nombreuses officines pharmaceutiques. Après sa mort, ses fils Joseph, Francis et Richard eurent l'idée de mélanger du beurre de cacao, du chocolat en poudre et du sucre, obtenant ainsi une pâte molle facile à verser dans des moules. Le chocolat à croquer était né.

 

Vers 1847, le chocolat essentiellement connu sous forme de boisson put être savouré autrement. Dans les années 1890, apparurent les œufs en sucre coloré et aux alentours de 1900, les œufs en chocolat, en porcelaine et en carton doré, garnis d'une surprise en pâte d'amandes ou en sucre candi.

 

De nos jours, les douceurs pascales continuent d'enchanter les gourmands de tous âges...

 

Lapin et Œufs de la pâtisserie Stohrer dont je vous ai conté l'histoire dans l'article intitulé Gourmandises de Saint-Valentin...

 

 

Je vous souhaite d'excellentes fêtes de Pâques. Gros bisous !

 

Cendrine

 

 

Dans une partie plus intime du jardin où papillonnent les rêveries des promeneurs, se dresse, sous les grands marronniers, un groupe sculpté en marbre blanc. Au fil de mes balades, j'y ai rencontré un fier matou en noble livrée !

 

 

Le monument dédié à Charles Perrault est une œuvre empreinte de poésie, née en 1908 sous le ciseau du sculpteur albigeois Gabriel Édouard Baptiste Puech (1854-1930), pour commémorer un maître de la littérature enfantine.

 

 

 

Dans ce théâtre de verdure, l’œuvre séduit par sa finesse esthétique, son élégance et par le sens du mouvement qui en émane. Commandée en 1903 à l'initiative de Jean Jaurès, elle fut placée au jardin des Tuileries en 1910.

 

Elle se trouvait autrefois plus près du musée du Louvre, vers le Jeu de Paume. En 1998, elle a été déplacée et installée dans un endroit que l'on appelle «  Quinconces des Marronniers ».

 

Le buste de Charles Perrault domine une farandole de trois fillettes et l'un de ses plus célèbres personnages : le Chat Botté.

 

Dans ce monde en vert et blanc, flotte un doux parfum suranné, mélange de rêverie intemporelle et de fantaisie de jadis. En m'enfonçant sous les arbres, je laisse vagabonder mon esprit et je songe à ces forêts mystérieuses, matrices des contes, où se lovent les peurs enfantines. Pas à pas, la féerie m'enveloppe et je salue d'un sourire le groupe virevoltant qui encercle la figure de l'écrivain.

 

Avec grâce et panache, le Chat Botté se dresse devant moi. L'ombre effleure son oreille découverte et sa cape de marbre est joliment animée.

 

 

 

Il arbore un feutre à plume et un collier de souris.

 

 

 

Bien chaussé dans ses bottes seyantes, les bottes de sept lieues, il incarne une figure folklorique très ancienne.

 

 

Facétieux et plein de ressources, ce chat est un Trickster, un farceur chaotique qui voyage à travers les différentes cultures et mythologies. Comme le Bateleur du Tarot, il est le maître des bonimenteurs. Il transfigure la réalité, métamorphose les apparences, façonne à l'envi les situations qui se présentent. Il joue avec la fortune. Il provoque le sort.

 

 

Magicien des mots, Charles Perrault (1628-1703) écrivit Le Maître Chat ou le Conte du Chat Botté à la fin du XVIIe siècle. En 1695, dans le manuscrit illustré intitulé Les Contes de ma mère l'Oye, publié chez l'éditeur Claude Barbin, parut le Chat Botté, personnage industrieux et haut en couleurs qui suscita un véritable engouement populaire.

 

Portrait de Charles Perrault, en 1672, par Philippe Lallemand (1636-1716).

 

 

Le Maître Chat ou le Chat Botté, 1695.

 

Tarot des Chats de Marseille, Le Bateleur ou Magicien.

 

Tarot des Chats de Marseille, le Roi de Deniers.

 

Tarot des Chats Bohêmes, Le Bateleur ou Magicien.

 

Charles Perrault était le frère de Claude Perrault (1613-1688), architecte, médecin, mathématicien, auteur de la Colonnade du Louvre (façade de l'aile est du palais) et Contrôleur général des Finances et des Bâtiments de Louis XIV.

 

Contre l'avis de Le Nôtre et grâce aux liens privilégiés qu'il entretenait avec Colbert, il obtint, comme en témoignent ses Mémoires, l'ouverture du Jardin des Tuileries au public. Il plaida à cet effet « la cause des enfants ».

 

 

Au Salon de 1908, Gabriel Pech reçut une médaille de première classe pour la création du modèle de son monument, un monument qui faillit être placé au Parc Monceau, au Ranelagh ou aux Buttes-Chaumont et fut finalement installé aux Tuileries.

 

On admire de ravissants personnages...

 

 

Trois petites filles qui font la ronde dans leurs atours de marbre blanc...

 

… évoquant les phases de la lune dans le ciel étoilé...

 

Si vivantes...

 

 

 

Le Maître Chat ou le Conte du Chat Botté s'inspire d'un conte de fées italien appelé La Chatte de Constantin le Fortuné. L’œuvre figure dans le second volume du recueil Les Nuits Facétieuses de Giovanni Francesco Straparola (1480-1557).

 

Une chatte emploie, de manière particulièrement savoureuse, la ruse et la tricherie afin d'offrir à son jeune maître désargenté la main d'une princesse. Le Conte de Perrault possède la même trame.

 

Les deux histoires mettent en scène ce qu'on appelle un matagot ou chat d'argent, chat sorcier considéré comme un « chat des moissons » ou « esprit du grain ». Il stimule les forces magiques de la terre et transmet des richesses à un humain sur lequel il a décidé de veiller. Il incarne un ancien dieu de la fécondité qui accomplit, suivant un cycle de vie, de mort et de renaissance, des rituels associés au monde agraire. Ses aventures sont truffées d'éléments symboliques que l'on associe aux anciens cultes des animaux.

 

 

On rencontre des chats facétieux dans des contes de fée indiens, notamment dans le Kathâsaritsâgara (L'Océan des rivières des contes) et dans le Pañchatantra, recueil de contes sanskrits datant du Ve siècle après J-C.

 

En 1634, un Chat Trickster apparaît comme le héros dans le Pentamerone du courtisan et poète napolitain Giambattista Basile (1566 ou 1575-1632). Le chat agit pour rendre riche un jeune mendiant du nom de Gagliuso.

 

D'autres contes mettent en scène des chats ou des chattes plein(e)s de ressources qui n'hésitent pas à recourir à des moyens drôles et peu recommandables pour assurer la fortune de leur maître : un conte breton signé Mr Luzel et appelé « Le Chat et sa mère » ; un conte norvégien : « Seigneur Pierre » ou « le Palais aux piliers d’or », un conte danois. Dans plusieurs contes russes, le rôle du chat est interprété par un renard pourvoyeur en richesses mais ne nous éloignons pas...

 

 

Le Chat Botté (Puss in boots dans le monde anglo-saxon), par Carl Offterdinger (18829-1889), illustrateur allemand.

 

Au fil du temps, le truculent félin n'a cessé d'inspirer les artistes (écrivains, peintres, dessinateurs, compositeurs, chorégraphes...) et à notre époque, il est revenu sur le devant de la scène avec une irrésistible parodie : le Chat Potté. Ce personnage apparaît dans le film d'animation « Shrek 2 ». On le rencontre aussi dans « Shrek le troisième » et « Shrek 4, il était une fin. » Il est le héros du film dérivé « Le Chat Potté » et une série de dessins animés lui est consacrée.

 

Chat Potté !!!

 

 

 

Sur les chemins du conte...

 

Image © Le Chat à Botter

 

Un meunier meurt en laissant à ses trois fils son moulin, son âne et son chat.

Le fils aîné reçoit le moulin, le second fils obtient l'âne et le troisième se retrouve doté du chat, ce qui lui occasionne un profond désespoir car il est persuadé de devoir vivre dans la misère.

 

Mais le chat se révèle doué de parole et sous le regard ébahi de son maître, il demande à ce qu'on lui fournisse un sac et une paire de bottes. N'ayant rien à perdre, le jeune homme s'exécute et le chat, satisfait, part à la chasse. Il tue un lapin qu'il s'empresse d'aller offrir au roi, de la part de son maître qu'il a renommé « le Marquis de Carabas » !

 

Le chat et son maître par Carl Offterdinger (1829-1889).

 

Chaque jour, son sac lui sert de piège pour prendre lapins et perdrix qu'il va remettre au roi. Il agit ainsi pendant plusieurs mois puis il décide de « mettre au point » une rencontre entre le souverain et son maître, le prétendu marquis.

 

 

Sachant que le roi doit se promener en bordure de rivière avec sa fille, une ravissante princesse, il invite le jeune homme à aller se baigner.

 

Le roi paraît et pendant que le fils du meunier se trouve dans l'eau, le chat hurle :

-Au secours, au secours, voilà Monsieur le Marquis de Carabas qui se noie !

 

Le Chat Botté, en 1867, par Gustave Doré (1832-1883).

 

Reconnaissant le chat qui lui apporte du gibier chaque jour, le roi ordonne à ses gardes de secourir le marquis. Le chat prétend que des voleurs ont dérobé les vêtements de son maître et le roi fait offrir au fils du meunier un magnifique habit.

 

Bien fait de sa personne, le jeune homme plaît à la princesse et le chat s'en réjouit.

 

Le roi fait monter le « marquis » dans son carrosse et le chat court devant l'équipage. Dès qu'il rencontre un paysan, il lui intime l'ordre, sous peine d'être haché menu, d'affirmer au roi que les terres environnantes appartiennent au marquis. Il finit par arriver devant un somptueux château où vit un ogre...

 

Illustration de Gustave Doré, 1867.

 

L'ogre est féroce mais le chat, qui évolue sans hésitation dans les lieux, le flatte par de subtils jeux de langage et titille son côté vaniteux. En minaudant, le chat vante le pouvoir de métamorphose de son hôte qui accepte de se transformer.

 

L'ogre prend l'apparence d'un lion rugissant et le chat, qui pourrait jouer les effrayés, fait croire qu'il n'est pas très impressionné. Il dit à l'ogre qu'il le serait davantage si celui-ci se changeait en rat ou en souris. Il pourrait alors apprécier toute la puissance de son don... Piqué au vif, l'ogre rapetisse et devient une souris sur laquelle le chat se jette aussitôt. Ainsi, le seigneur du château finit dévoré !

 

Affiche de théâtre, inspiration 1928. © Le Chat à Botter

 

Quand l'équipage royal parvient au château, le roi est ébloui par tant de magnificence et il est accueilli par le chat qui lui souhaite la bienvenue dans la demeure de son maître, le marquis de Carabas !

 

Définitivement conquis, le roi accorde au fils du meunier la main de la princesse et le chat se retrouve gratifié d'une seigneurie.

 

Affiche de théâtre, 1894. © Le Chat à Botter

 

Industrieux, chaotique, beau parleur... c'est ainsi que nous aimons ce Chat et l'engouement pour le conte, territoire initiatique, est toujours bien réel grâce à des films et à des expositions organisées dans les bibliothèques autour des contes de ma mère l'Oye, de Perrault et des frères Grimm, de la littérature de Colportage ou du Cabinet des Fées...

 

Le Chat Botté par Félix Lorioux (1872-1964).

 

Le Cabinet des Fées (ou Collection choisie des contes de fées et autres contes merveilleux), recueil de contes en quarante et un volumes, compilé par le chevalier Charles-Joseph de Mayer (1751-1825) et publié à Amsterdam entre 1785 et 1789, regroupe les écrits d'une quarantaine de conteurs, parmi lesquels Charles Perrault, Madame d'Aulnoy, Mademoiselle Leprince de Beaumont, Mademoiselle de La Force, Mademoiselle Lheritier, Jean-Jacques Rousseau, le chevalier de Mailly...

 

 

Le Chat Botté, affiche s'inspirant du style de Piet Mondrian (1872-1944), peintre néerlandais, pionnier de la Peinture Abstraite. Image © Le Chat à Botter.

 

 

Le Chat Botté, affiche s'inspirant du style de Gustav Klimt (1862-1918), (1872-1944), maître de la Sécession Viennoise. Image © Le Chat à Botter.

Je vous invite à cheminer à travers la sylve des très belles affiches d'inspiration rétro que vous pouvez découvrir en cliquant sur le lien ci-dessous:

lechatabotter.blogspot.com

Merci à Bastien pour son sympathique message et bravo pour le talent!

 

On trouve de très nombreux Chats Bottés au château de Breteuil, dans la vallée de Chevreuse, n'est-ce pas, ma chère Zaza (merci pour les beaux articles sur ce château) !!! Et merci à mon amie Laure pour les jolies photos d'un facétieux félin et nos échanges...

 

 

Le monument à Charles Perrault offre une belle occasion de se replonger dans un univers d'enfance et de voyager entre les mondes, en compagnie d'un Maître Chat ! Je veux ajouter que le groupe sculpté apparaît dans un petit livre intitulé « Qui a volé la main de Charles Perrault ? »

 

D'après le synopsis de ce thriller pour enfants signé Claudine Aubrun et paru dans la collection Mini Syros, « Au jardin des Tuileries, la main d'une des statues du monument dédié à Charles Perrault ne cesse de disparaître... Nino, qui a le bras dans le plâtre, mène l'enquête. En voudrait-on au célèbre écrivain ? »

 

 

Merci de vos attentions et de votre fidélité, je vous souhaite un très joli Printemps, avec mes pensées d'amitié !

 

Félinement vôtre !

 

Le Printemps palpite. Le vieil hiver s'affaiblit et la magie lumineuse de la verte Erin ne demande qu'à être célébrée. A cette occasion, je veux partager avec vous ma petite collection de cartes de la Saint-Patrick.

 

 

La Saint-Patrick est une grande fête populaire et folklorique qui célèbre la vie, chaque 17 mars ou à partir du 17 mars et durant plusieurs jours. L'histoire et le folklore se confondent à travers bien des aspects de cette fête qui commémore la christianisation de l'Irlande au Ve siècle par un écossais nommé Maewyn Succat (385-461).

 

 

Fils d’un centurion romain originaire de Grande Bretagne, Maewyn fut enlevé à l’âge de 16 ans par des pirates qui le vendirent à un chef de clan irlandais. Il découvrit la religion chrétienne et en 409, après avoir rêvé que Dieu lui demandait de prendre la mer, il parvint à s'échapper.

 

Devenu prêtre, il voyagea et se rendit aux îles de Lérins, près de Cannes, puis il s’établit, pendant deux années, au monastère de Saint-Honorat où il fit des études de Théologie.

 

Un jour, le pape Célestin Ier lui ordonna de partir évangéliser l’Irlande Il entama donc, à partir de 411, une tournée de conversion sur les terres druidiques.

 

 

Il rencontra le roi Aengus et la légende dit qu'il expliqua à ce dernier le concept de Trinité (le Père, le Fils, et le Saint Esprit) en lui montrant un trèfle fraîchement cueilli. Aengus fut conquis...

 

 

L'évangélisation du pays se poursuivit et Maewynn, qui fut ordonné évêque, prit le nom de Patricius/Patrick. On lui attribue d'avoir chassé de la terre d'Irlande tous les serpents (à la fois les Druides et les symboles de la Déesse des temps anciens) en frappant un « vipérin » avec un bâton tréflé.

 

Il mourut le 17 mars 461 dans la ville de Downpatrick et chaque année, les Irlandais lui rendent hommage en chantant, dansant, festoyant...

 

 

Il est amusant de constater que, une fois encore, l'église a tenté d'annihiler, sans y parvenir, une fête païenne et matriarcale, en l'occurrence la fête de la Déesse Ostara, jeune fille aux couleurs d'aurore que l'on célèbre au moment de l'équinoxe de Printemps (généralement, le 21 mars)...

 

 

 

 

Les Symboles de la Saint-Patrick

 

 

Le Leprechaun

 

Le Leprechaun est un personnage incontournable des légendes irlandaises et une véritable « icône » au moment de la Saint-Patrick.

 

Créature magique, le Leprechaun est doté d'un caractère à la fois facétieux et ombrageux. De petite taille (il mesure environ 90 centimètres), il est vêtu de vert et arbore un joli pourpoint ou un tablier de cordonnier que l'on nomme « leigh bhrogan » en gaélique irlandais. Il fume des herbes de la lande avec sa pipe et boit une liqueur chimérique appelée « Dudeens » ainsi que du whisky fait maison.

 

 

Il serait, d'après le savoir oral, un être hybride, fruit de la rencontre amoureuse entre un humain et un esprit des anciens mondes.

 

 

Doué pour la cordonnerie, il est aussi le banquier de la communauté du Petit Peuple. Redoutable gardien de trésors, gardien de l'or, métal aussi magique que précieux, il possède un chaudron d'abondance, rempli de pièces qu'il dissimule au pied d'un arc-en-ciel ou sous une petite colline qui change de place régulièrement. Il se méfie des humains car beaucoup cherchent à le piéger pour s'emparer de ses biens mais il aime malgré tout « jouer » avec les « grandes gens ». Il s'amuse à leurs dépens et file, rapide comme l'éclair, à travers des paysages mystérieux.

 

 

Si l'on voit un Leprechaun, les anciens grimoires préconisent de ne pas cligner des yeux car un simple mouvement de paupières peut le faire disparaître...

 

Il existe à Dublin un musée entièrement consacré aux traditions et aux mythes entourant le Leprechaun : le National Leprechaun Museum. Tout ce que l'on voit dans ce musée est gigantesque afin que le visiteur se sente « miniaturisé » et puisse « entrer dans la peau » d'un farfadet.

 

 

 

Le Trèfle (Shamrock)

 

 

L'emblème officiel de l'Irlande est une harpe, la harpe celtique associé au dieu Dagda, l'Omniscient. Mais le trèfle est l'emblème populaire le plus connu.

 

 

Plante pérenne qui abonde dans les prairies d'Europe, d'Asie et d'Amérique du Nord, le trèfle se décline en plusieurs variétés... Trèfle blanc, trèfle violet, trèfle étoilé, trèfle patte-de-lièvre...

 

 

Le trèfle de Saint-Patrick, évoqué comme emblème chrétien, est beaucoup plus ancien puisqu'il entrait dans la pharmacopée et l'eschatologie druidiques. On le nommait « Seamrag Chapaill » et il était également sacré pour les bardes, maîtres du langage poétique et magique.

 

 

Le trèfle est associé à la Déesse Mère Brigid ou Brigit qui règne sur l'inspiration créatrice, aux trois divinités du Destin, à la déesse Tailtiu, mère adoptive du dieu solaire Lugh... ainsi qu'au Green Man, l'Homme Vert, le maître feuillu, seigneur secret de la sylve...

 

Green Man par Brian Froud

 

 

Le Tarot de la Sorcière Verte

 

 

 

Imprégné du pouvoir de certaines constellations, le trèfle est réputé posséder de grandes vertus guérisseuses et protectrices. Selon le médecin et naturaliste grec Dioscoride (20/40-90 après J.-C), il soignait, sous forme de cataplasmes et d'infusions, les fièvres et les inflammations les plus tenaces. Au Moyen Âge, on l'a longtemps utilisé pour apaiser les quintes de toux et les douleurs articulaires. Sa feuille est devenue un emblème dans l'architecture avec l'arche gothique trilobée et elle possède un rôle de première importance dans le jeu de cartes auprès du cœur, du pique et du carreau.

 

Dans le Jeu de Tarot divinatoire, le trèfle correspond à la suite des bâtons.

 

 

 

Historiquement, le trèfle est lié à l'idée de rébellion. Sous le règne de Victoria (1819-1901), il était le signe de ralliement des opposants à la Couronne et les personnes qui portaient un trèfle risquaient de connaître la peine capitale.

 

 

Le trèfle à trois feuilles (trifolium) est une représentation stylisée du triskèle, motif populaire de l'art celte et de l'awen, énergie de vie et feu d'inspiration. Au moment de l'équinoxe de Printemps, Ostara ou Alban Eilir pour les Druides, il concentre la puissance des trois rayons sacrés de lumière qui palpitent sur les chemins de Dame Ceridwen, maîtresse du chaudron de connaissance et de régénération. Il est à la fois le symbole des Bardes, des Ovates et des Druides.

 

 

Il « incarne » aussi les trois Vertus Théologales soit la Foi, l'Espérance et la Charité. Le trèfle à trois feuilles est le plus répandu mais il existe des trèfles à quatre feuilles (symboles de richesse, d'amour, de santé et de chance ou de célébrité, de richesse, de santé et d'amour loyal).

 

 

 

Les trèfles à quatre feuilles sont d'une rareté extrême. On dit qu'il en existe un seul pour dix mille trèfles à trois feuilles et d'après les livres de folklore, ce serait Ève qui aurait ramené du Paradis un trèfle quadrifolié.

 

 

Le trèfle quadrifolié est réputé combattre les effets du venin de serpent et pour les Druides, posséder un trèfle à quatre feuilles cueilli lors de certaines phases de lune permettait de voir les démons et les créatures enchantées.

 

 

 

Symbole de chance dans nos sociétés, le trèfle à quatre feuilles est aussi l'emblème de la marque Alfa Roméo (Quadrifoglio Verde)...

 

 

 

Pour l'anecdote, en 2009, au Japon, un fermier nommé Shigeo Obara a cueilli un trèfle à 56 feuilles qui figure dans le Livre des Records...

 

 

Il existe un trèfle à cinq feuilles, encore plus rare que le trèfle à quatre feuilles et son message est ambivalent. Soit, il porte chance, soit il la prend... Méfiance ! Et savez-vous ce qu'est un Ultratrifoliophile ? Il s'agit d'une personne qui collectionne les trèfles à quatre feuilles ou plus. Un collectionneur américain est réputé en posséder plus de 160 000 !

 

 

Allons rêver sur des chemins de féerie et butiner gaiement les charmes du Printemps ! Je vous souhaite plein de jolies choses et vous adresse mes pensées d'amitié...

 

 

 

 

A l'orée du Printemps, j'aime entendre l'air crépiter. J'aime voir les branches nues des arbres serpenter dans la lumière et ressentir l'instant comme une pépite à préserver.

 

Débusquer les couleurs au hasard du chemin, effeuiller les nuances du ciel, contempler les parades des oiseaux...

 

C'est un Bonheur Simple, en lettres majuscules, un Privilège qui se dévore alors merci à Dame Nature...

 

 

Je m'éclipse sur la pointe des pieds et je laisse parler les images... Grosses bises à tous et merci de votre fidélité !

 

 

 

 

Au bal des crocus et des hellébores...

 

 

 

 

 

 

 

Mars est un mois alchimique où s'opèrent de grandes métamorphoses...

 

 

 

 

 

 

 

Encore de gros bisous et que bourgeonne l'Inspiration, sans modération !

 

 

La dame de l'automne, 1871

 

Lovers in the night

 

Laissons-nous happer, au clair de lune, par les brumes fantastiques et les couleurs mouvantes de la palette de John Atkinson Grimshaw, artiste emblématique de l'ère victorienne. La lumière dorée, argentée ou nacrée de la ronde lune irrigue souvent ses œuvres où règne une sensibilité puissante.

 

Réflexions sur le Thames, Westminster, 1880

 

Lune d'hiver

 

A travers son regard, la ville victorienne s'offre à nous, vêtue de nuit et de brouillard, mouillée de cendres, voilée d'opale... Elle émane d'un réseau d'ombres labyrinthiques et précieuses. Une ville personnage où s'enfoncent, entre ivresse et mélancolie, le regard et l'esprit...

 

Ombres sur le mur, Roundhay Park, Leeds, 1880

 

John Atkinson Grimshaw naquit à Leeds, une ville du nord de l'Angleterre, en 1836, dans une famille très stricte. Il fut clerc de notaire et travailla, pendant quelques années, pour une compagnie de chemin de fer anglaise, la GNR (Great Northern Railway) mais, insatisfait de ses activités, il décida de suivre une carrière artistique.

 

Son choix se fit au grand dam de ses parents qui considéraient l'art comme une chose néfaste. Il ne reçut donc aucun soutien de la part de son père, policier et de sa mère qui s'employa à détruire, bien des années après, une partie de ses tableaux !

 

Les amants

 

Dans sa jeunesse, il bénéficia de l'aide morale et financière de son cousin germain, T.S Cooper, et de l'assentiment de son épouse et cousine éloignée, Theodosia Frances Hubbard (1835-1917), ce qui lui permit de tenter sa chance et d'exposer pour la première fois, en 1862, « sous le haut patronage de la Société Philosophique et Littéraire de Leeds » des tableaux représentant des fleurs, des fruits et des oiseaux.

 

Headingley Lane à Leeds

 

En 1865, ses peintures étaient vendues dans plusieurs galeries d'art et librairies de Leeds et un antiquaire nommé Thomas Fenteman était l'un de ses clients principaux. Il put faire l'acquisition de Knostrop Hall, une jolie propriété du XVIe siècle située dans les parties « riches » de la ville et en 1870, il se fit construire une maison secondaire à Scarborough, ville côtière située dans le comté du Yorkshire du Nord, qui devint son sujet de prédilection.

 

Knostrop Hall, tôt le matin, 1870

 

Après-midi de novembre à Stapleton Park, 1877

 

Forge Valley à Scarborough

 

Scarborough, 1878

 

Une très jolie ville, belvédère sur la mer du Nord, peuplée de maisons pimpantes qui se dressent au bord de l'eau... Elle est appréciée pour son phare, ses demeures historiques et ses activités de voile. La romancière Anne Brontë (1820-1849) est enterrée dans son cimetière.

 

The lighthouse à Scarborough

 

S'y adonnant à sa passion pour les atmosphères d'entre-deux, John Atkinson Grimshaw gagna en notoriété, loua un studio de peinture à Londres et vendit plusieurs de ses œuvres à William Agnew, un marchand d'art londonien. Une de ses œuvres fut également acceptée par la Royal Academy.

 

La maison hantée

 

Le pont de Leeds, 1880.

 

Mais quelques années plus tard, il connut de graves problèmes financiers qui l’obligèrent à revenir à Leeds et à peindre des portraits, essentiellement féminins et des scènes de la vie de la ville, comme les marchés, les places, les fêtes locales... Il peignit aussi des scènes de plage, des vues maritimes et des paysages hivernaux.

 

The cradle song, la berceuse.

 

The cradle song, détail

 

Snowbound, Enneigée, 1883

 

Le virage, 1883

 

Automne d'or

 

Grimshaw mourut d'une leucémie, le 13 octobre 1893, à l’âge de 57 ans. Il repose à Leeds, dans le cimetière de Woodhouse. Surnommé « Grimmy » par ses proches, il sut saisir avec brio les atmosphères changeantes de la ville victorienne, entité mystérieuse et ambivalente. Il aimait particulièrement décrire les effets de lumière et la magie des saisons, les variations météorologiques mais dans une veine plutôt Réaliste.

 

Matin d'automne

 

A golden beam, un rayon doré

 

Marqué par le Préraphaélisme, il le fut aussi par l'Aesthétic Movement (Mouvement Esthétique), une évolution du Préraphaélisme que l'on qualifie de Post-Préraphaélisme et qui partit en guerre contre l'industrialisation massive et « la laideur manufacturée », pour reprendre les mots d'Oscar Wilde (1854-1900).

 

Promenade du soir

 

Pour les personnes qui s'interrogeraient, je rappelle ce qu'est le Préraphaélisme. Il s'agit d'un phénomène de l'art, puissamment inspiré, gorgé d'un sang rebelle, qui fut initié par trois étudiants de la Royal Academy : Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), John Everett Millais (1829-1896) et William Holman Hunt (1827-1910).

 

Ces trois jeunes gens ne supportaient plus le poids des conventions, la morale qu'ils qualifiaient d'insidieuse, le dogmatisme et la mièvrerie sentimentale qui caractérisait pour eux la peinture britannique de leur temps. Ils considéraient que de lourdes règles esthétiques issues de la Renaissance étaient responsable d'une sclérose de l'art et que l'esprit du spectateur, se voyant obligé de composer avec de la peinture de genre où ne brillait aucune créativité, se racornissait. Ils partirent donc en guerre contre l'enseignement académique et leur trio s'agrandit rapidement.

 

Il y eut plusieurs périodes et courants Préraphaélites et de nombreux artistes concernés mais restons en compagnie de John Atkinson Grimshaw...

 

Clair de lune de novembre

 

Grimmy admira aussi l’œuvre de James Tissot (1836-1902), artiste complexe, ami de Degas et de Manet, qui partagea sa vie entre Paris et Londres où il devint l'un des plus célèbres portraitistes de son époque. Fils d'un marchand de mode et d'une modiste, Tissot ne cessa d'accorder dans ses toiles la primauté aux vêtements et aux accessoires. Il aimait également mettre en scène ses personnages de manière « photographique ».Les musées anglais abritent un grand nombre de ses œuvres.

 

On trouve, entre autres, des références à Tissot dans le tableau La Berceuse (The cradle song que je vous ai montré plus haut), avec sa belle atmosphère « japonisante » et dans le tableau qui suit.

 

La vigie de la nuit

 

Méditation, 1875

 

Les Clairs de Lune de Grimshaw sont très appréciés des collectionneurs.

 

Silver moonlight, clair de lune argenté

 

L'instant du crépuscule qui conduit à la nuit, la clarté fine et fantasmagorique de la lune, le brouillard et sa texture si particulière, les atmosphères singulières l'inspiraient. Il exploitait avec grand talent les effets de l'humidité à la fois réelle et chimérique.

 

Le port de Whitby

 

Port de Whitby sous le clair de lune

 

Whitby, petite ville située sur la côte du Yorkshire, à l’embouchure de l’Esk, est un port à l’existence très ancienne. Whitby est renommée pour ses plages, le souvenir des pêcheurs de baleines qui la peuplèrent, ses bijoux de jais à connotation magico-religieuse, ses fossiles très réputés auprès des collectionneurs (des ammonites entre autres...), sa superbe abbaye Sainte-Mary considérée comme hantée et pour avoir inspiré Bram Stoker (1847-1912) le célèbre auteur de Dracula.

 

Le vieux Chelsea

 

Pluie sur Hampstead

 

Old Hall sous la lune

 

Fasciné par la photographie, Grimshaw faisait appel au procédé de la camera oscura...

 

Ce mot italien qui signifie « chambre noire » désigne un appareil d'optique grâce auquel on obtient une image la plus nette possible d'un objet que l'on souhaite reproduire.

 

La lumière entre dans une sorte de boîte par un petit orifice et se heurte, de l'autre côté, à un papier blanc de relative épaisseur ou à un verre dépoli. Certaines versions de la camera oscura, plus élaborées, font appel à une lentille convergente ou à des cloisons coulissantes qui permettent de moduler la distance à laquelle se trouve l'objet, d'accroître la netteté de ce que l'on voit etc...

 

La camera oscura fut utilisée par de nombreux artistes au fil des siècles à l'instar de Léonard de Vinci, de Vermeer de Delft ou des védutistes italiens du XVIIIe siècles comme Giuseppe Canaletto... Tant et tant d'artistes y eurent recours et plus proches de nous, les recherches de Louis Daguerre (1787-1851) et de Joseph Nicéphore Niepce (1765-1833) se réfèrent à la manière dont la camera oscura retranscrit une image.

 

Glasgow, 1887

 

Vous apprécierez la puissance fantasmagorique des effets de lumière, les lignes qui se dévoilent et se fondent dans une envoûtante atmosphère, les parties sombres qui palpitent comme des frissons d'encre...

 

Les docks de Glasgow

 

Liverpool

 

Westminster Bridge avec les maisons du Parlement

 

Westminster Bridge au crépuscule... Je pourrais regarder ce tableau et le paysage pendant des heures ! Il y a tant de magie...

 

Paysage entre clair et obscur

 

Moonlight

 

Esprit de la nuit

 

Automne

 

Grimshaw a également peint des scènes féeriques et illustré les balades littéraires et les poèmes d'Henry Longfellow (1807-1882) et d'Alfred Tennyson (1809-1892), monuments de la littérature américaine et anglaise. Il a d'ailleurs donné à ses enfants (sur les quinze qu'il eut, seulement six atteignirent l'âge adulte) les prénoms de personnages mis en scène par Tennyson.

 

La dame de Shalott, 1879

 

Elaine

 

Lady Elaine de Shalott est une héroïne récurrente des légendes arthuriennes, « ressuscitée » par Alfred Tennyson (1809-1892) et muse des peintres préraphaélites.

 

Sur l'île de Shalott, une belle dame, enfermée dans une tour mystérieuse, doit tisser une tapisserie pour l'éternité. La malédiction qui l'étreint lui interdit de regarder par la fenêtre mais elle contemple le monde dans un miroir où elle aperçoit un jour le reflet du chevalier Lancelot. Elle en tombe éperdument amoureuse et décide de lui exprimer ses sentiments.

 

Consciente du sort funeste qui l'attend en quittant la tour, elle embarque pourtant sur un navire qu'elle a baptisé de son nom. Tout au long du voyage, elle continue de tisser son ouvrage mais comme elle approche de Camelot une tempête automnale se lève et la tapisserie épuise ses dernières forces. Les dames et les chevaliers d'Arthur découvrent son corps glacé sur une berge. Ils lui rendent hommage et Lancelot promet de ne jamais oublier son beau visage qui semblait endormi.

 

Elaine...

 

Avec ses paysages à la fois réels et brodés de féerie et de mystère, John Atkinson Grimshaw nous a laissé une œuvre pleine de poésie et d'élégance très personnelle mais les historiens d'art ne possèdent pas de documents privés susceptibles de les aider à explorer davantage son art. Il eut sa renommée, ses créations sont accessibles grâce à des expositions qui lui ont été consacrées (surtout à Leeds) mais le temps s'est écoulé. Les dates de plusieurs de ses œuvres sont incertaines ou ne sont pas précisées et l'artiste mérite qu'on s'intéresse à lui davantage. J'espère que vous aurez pris plaisir à accomplir ce voyage...

 

En vous souhaitant un très agréable mois de mars, je vous envoie de gros bisous et vous remercie de votre fidélité !