Le Bélier par Giorgio Baroni sur DéviantArt.com

 

Merci de tout cœur, chers Ami(e)s pour vos pensées d'anniversaire !

Je suis très touchée et je voulais vous le dire avec ces quelques mots...

 

Les personnes qui désirent lire ou relire un billet concernant la symbolique du signe du Bélier peuvent cliquer sur le lien ci-dessous :

 Le Bélier dans les Arts et le Folklore...

 (http://chimereecarlate.over-blog.com/2018/04/le-belier-dans-les-arts-et-le-folklore.html)

 

Plusieurs d'entre vous connaissent déjà mon deuxième blog : La Chimère écarlate...   Un lieu sans prétention où je publie ce qui me passe par la tête et il s'en passe des choses... sourires !

 

Gros bisous et merci encore !!!

 

Cendrine

 

 Le Bélier par Antonella Castelli

 

 

A l'angle de la place Gaillon et de la rue de la Michodière, dans le IIe arrondissement de Paris, une élégante fontaine (ancienne fontaine Louis le Grand puis fontaine d'Antin) est adossée à la façade d'un hôtel particulier du 17e siècle. L'hôtel, qui abrite aujourd'hui un restaurant, fut construit par Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) en 1672 pour le sieur Nicolas de Frémont (1622-1696), gardien du trésor royal. J'en avais montré différents aspects il y a quelques années...

 

Dessin de Frederick Nash (1782-1856), peintre, aquarelliste et lithographe anglais. Source gallica.bnf.fr.

 

Le duc de Lorge, gendre de Nicolas de Frémont, fit agrandir l'hôtel et démolir à cet effet la porte Gaillon qui marquait la limite de l'enceinte construite à partir de 1638, sous le règne de Louis XIII.

 

Gravure de Charles Heath (1785-1848) d'après un dessin de Auguste Charles Pugin (1769-1832).

 

L'hôtel de Lorge connut plusieurs propriétaires. Il fut appelé hôtel de Travers puis hôtel de Chamillard, hôtel d'Antin et hôtel de Richelieu. Il accueillit le duc de Richelieu, l'ambassadeur d'Espagne et la princesse de Bourbon-Conti, fille de Louis XIV.

 

 

La fontaine fut érigée en 1707 au carrefour de Gaillon, entre les rues du Port-Mahon et de la Michodière, par Jean Beausire (1651-1743), architecte, contrôleur et inspecteur des bâtiments de la Ville de Paris.

 

 

Située entre les égouts de la rue Neuve Saint-Augustin et de la rue Gaillon, elle fut remplacée en 1828 par un édifice conçu par Louis Visconti (1791-1853), architecte émérite, maître du projet de restauration du Louvre et de réunion du Louvre et des Tuileries. Les sculptures, façonnées par Georges Jacquot (1794-1874), ont été restaurées en 1971 par Emmanuel Oberdoerffer, architecte voyer de la ville de Paris.

 

 

Dans une grande niche hémisphérique, flanquée de deux colonnes composites finement ciselées et décorées de poissons fantastiques, un jeune triton chevauche un dauphin. Il portait auparavant un trident dont il ne reste que le manche.

 

Photographie trouvée sur le net, je n'en connais pas l'auteur.

 

 

L'enfant au dauphin appartient au cortège de la belle Amphitrite, néréide, déesse marine, et parfois gardienne des fontaines et des sources. Messager de Poséidon, le dieu des océans qui s'éprit d'Amphitrite, le dauphin devint une constellation, en remerciement de ses bons et loyaux services.

 

 

Autrefois, l'eau s'écoulait dans une vasque ornée de gargouilles léonines qui crachaient l'eau recueillie dans une large vasque appuyée sur un socle décoré de poissons et de plantes aquatiques.

 

 

 

 

Symboles d'opulence et de fécondité, les ornements de la fontaine (oves, rinceaux, algues, coraux, épis de blé, ajoncs, roseaux, fleurs, cornes d'abondance, poissons, coquillages, chimères aquatiques...) témoignent d'une grande finesse d'exécution.

 

 

Aux extrémités de la fontaine, des dragons marins veillent à la bonne circulation des eaux de la ville.

 

 

Ces créatures symbolisent l'énergie qui serpente, sous forme liquide, dans les entrailles de la terre. Elles évoquent les forces primitives de la Nature et les esprits familiers de l'eau, gardiens de l'élément source de la vie.

 

 

Symboles de luxuriance et de fécondité, les coquillages sont les « enfants des dieux ». Jaillis du souffle de l'Océan primordial, ils sont bercés par les déesses de l'amour et de la fertilité. On peut entendre, en les frôlant, l'enivrante gamme des sons originels. Un peu comme si l'on frappait, avec un objet sacré, sur le perron d'une ancienne fontaine pour susciter la pluie.

 

 

 

Des vases à anses fantastiques, de style Renaissance, reposent au sommet des colonnes qui encadrent la niche principale.

 

 

La fontaine Gaillon décore aujourd'hui la terrasse d'un restaurant qui appartient à Gérard Depardieu. L'adresse est très connue. Au fil de mes lectures, j'ai constaté que les avis concernant la qualité de la cuisine étaient plutôt partagés. Certains la trouvent excellente, d'autres considèrent que c'est surfait et affichent leur déception. N'y ayant pas mangé, je ne me prononcerai pas.

 

Photographie répertoriée sous le nom d'Armand Guérinet (libraire-éditeur actif de la fin du XIXe siècle aux années 1920).

 

La petite grille située au pied de la fontaine et les deux lampadaires ont disparu.

 

Photographie d'Eugène Atget (1857-1927). Source gallica.bnf.fr, cote Est Eo 109b bte3.

 

 

Merci de votre fidélité, gros bisous et belles pensées...

 

Gaston Bussière (1862-1928), peintre symboliste. Nymphe avec iris.

 

 

Laissons-nous happer par cette superbe fleur bleue, au port gracieux et brodée de lumière...

 

 

Présent sur tous les continents, l'Iris nous offre, depuis des millénaires, ses secrets de beauté et son impressionnante palette colorée.

 

 

 

Il existe environ 210 espèces d'iris, plantes vivaces herbacées à bulbes ou à rhizomes qui appartiennent à la famille des Iridacées. Elles poussent dans les régions tempérées de l'hémisphère Nord, en Europe, en Asie, en Afrique du nord et en Amérique. Elles apprécient les terrains secs et les lieux humides. La forme et la couleur de leurs fleurs hermaphrodites sont très variées. Elles évoluent du blanc pur au pourpre chatoyant, du jaune d'or au bleu violacé et se dressent au sommet d'une hampe robuste encadrée de feuilles qui ressemblent à des pointes de glaive.

 

 

 

Les herbiers anciens relatent que dans l'Égypte des pharaons, l'iris était associé à la puissance magique des dieux, qu'on le ciselait sur le front des sphinx et les sceptres royaux. Symbole de pouvoir et d'éloquence, l'iris violet est réputé figurer, depuis 3500 ans, sur les fresques du temple de Karnak.

 

Les Grecs consacrèrent cette fleur à Iris, messagère des dieux de l'Olympe, qui déroulait entre ciel et terre le pont de l'arc-en-ciel. Dans l'Athènes antique, des jardins d'iris odorants honoraient la déesse psychopompe, conductrice des âmes féminines vers le Paradis grâce à une ceinture ou à une écharpe magique aux couleurs irisées. Les âmes masculines étaient guidées, quant à elles, par le dieu Hermès.

 

Iris, gardienne de l'arc-en-ciel, par l'illustratrice Joséphine Wall.

 

D'après une légende, les dieux invitèrent les fleurs à les rejoindre sur l'Olympe. Elles se présentèrent, sauf une, dans leurs plus beaux atours. Héra, la reine des dieux, prit en pitié la petite créature terne et chiffonnée qui tremblait à ses pieds. Elle fit tisser pour elle une robe merveilleuse aux couleurs de l'arc-en-ciel. Dès lors, elle fut Iris...

 

Iris vient du latin « iridis » qui dérive du grec « iridos ». La beauté de la fleur est également iridescente, à l'image des longs voiles d'Iris, à la fois messagère et élue, semant les bonnes nouvelles et stimulant la chance.

 

Pierre-Narcisse Guérin (1774-1833), peintre néoclassique, Iris et Morphée, 1811. L’œuvre est conservée au musée de l'Ermitage, à Saint-Pétersbourg.

 

Iris, accompagnée de Cupidon, surprend Morphée, le dieu du sommeil et des rêves, alangui...

 

 

 

Iris peint en 1503 par Albrecht Dürer (1471-1528).

 

L'iris commun se nomme « lys en épée » dans la langue germanique, en raison de la forme pointue de ses longues feuilles. Il fut confondu avec le « lys de France » qui était à l'origine une fleur d'iris.

 

Le roi Louis VII sortit, d'après la légende, sain et sauf d'une bataille qui se déroula dans un marécage constellé d'iris. Il choisit alors cette fleur fatidique pour emblème. Mais la « fleur de Louis » finit par se confondre phonétiquement avec la « fleur de lys ». Une autre légende prétendit que le roi franc Clovis choisit l'iris pour emblème après avoir échappé aux Goths grâce aux iris des marais qui le dissimulèrent.

 

Guy Head (1762-1800), Iris transporte l'eau du fleuve Styx jusqu'à l'Olympe.

 

Cultivé par les égyptiens, les babyloniens, les grecs, les hébreux..., l'iris trouva, au fil des siècles, des applications médicales et cosmétiques variées.

 

William-Adolphe Bouguereau (1825-1905), maître de l'Académisme, Iris.

 

Certaines espèces d'iris sont très recherchées pour leur rhizome, gorgé d'une substance odorante appelée l'irone. Les plus parfumés sont l'Iris germanica et l'Iris pallida ou or bleu de Florence, cultivé depuis fort longtemps en Italie et au Maroc.

 

La reine Catherine de Médicis (1519-1589) lança la mode de l'eau d'iris et la poudre d'iris fit fureur au 17e siècle. Obtenue à partir du rhizome pilé et tamisé, cette poudre imprimait sur les cheveux, la peau et les vêtements une délicieuse odeur de violette, due à sa forte concentration en irone. On l'emploie toujours comme fixateur de parfum.

 

La poudre d'iris parfumait le linge de maison mais aussi les gants de cuir, les ceintures, les aumônières, les bijoux et les habits précieux. René le florentin, maître parfumeur de Catherine de Médicis, ouvrit une boutique sur le Pont-au-Change à Paris et la vogue de l'iris s'empara de la capitale. Elle s'amplifia encore avec la poudre à la Maréchale, mélange odorant et purifiant très prisé à la cour du Roi Soleil.

 

Élisabeth Sonrel (1874-1953), portraitiste, paysagiste, illustratrice de style Art Nouveau et influencée par le Symbolisme, Iris.

 

Sous forme de pâte, l'iris servait également à purifier l'haleine et la chevelure. On l'utilisa au fil des siècles et sa formule engendra Iris de François Coty, premier soliflore en parfumerie moderne, en 1913.

 

 

Pour obtenir de l'essence d'iris, on emploie l’iris pallida à fleurs bleues dont l’odeur très subtile rappelle celle de la violette, et l’iris germanica, moins racée mais utile pour élaborer des mélanges fleuris. « L’absolue d’iris est aujourd’hui l’un des produits les plus onéreux de la palette du parfumeur. »

 

 

Rare et par conséquent onéreuse, la matière odorante constitue ce qu'on appelle le beurre d'iris. Elle s'associe particulièrement bien avec la fève tonka, la vanille, la rose, la bergamote et le jasmin.

 

Image « The perfume girl.com »

 

Ce parfum, élixir de la maison Hermès, conçu par le nez Jean-Claude Ellena, se veut une quintessence olfactive de l'art japonais de l'ukiyo-e, terme qui désigne les estampes en vogue à l'époque Edo (1603-1868). Le parfum s'accorde à loisir avec les visions éphémères ou « images du monde flottant », émotions suspendues dans une bulle fugace où s'opère la précieuse alchimie. Senteurs poudrées d'un monde frêle qui happe les sens et oscille entre douceur acidulée, réalisme et magie.

 

Un véritable plaisir que cette Hermessence numéro 9, très bel objet volatile qui coûte aux alentours de 400 euros. La qualité des matières premières n'est pas à discuter mais tout le monde ne peut évidemment pas se l'offrir. Cela n'empêche pas d'apprécier...

 

 

L'iris nous enchante par sa beauté et nous réconforte par ses vertus.

 

Le philosophe et botaniste grec Théophraste (371-288 avant J.-C.) recommandait l'iris pour calmer la colère et les humeurs violentes et Pline l’Ancien (23-79) préconisait l’usage de la poudre d’iris pour parfumer le vin, une tradition qui s'est maintenue dans la fabrication du Chianti.

 

 

Les enlumineurs fabriquaient avec le suc des corolles de l’iris mélangé à de l’alun une sorte d'encre verte.

 

 

Dans la pharmacopée populaire, la décoction légère de racine d'iris était réputée apaiser la toux et les poussées dentaires douloureuses des enfants. L'eau d'iris a de puissantes vertus astringentes, préconisées, depuis le Moyen-âge, par la célèbre abbesse Hildegarde de Bingen (1098-1179).

 

 

Les Indiens d'Amérique du Nord l'utilisaient pour ses propriétés antalgiques, purgatives et diurétiques mais, à doses trop fortes, l'iris peut provoquer des vomissements et n'est pas du tout conseillé aux femmes enceintes.

 

Hans Memling (1430 ou 1435-1494), Le vase aux iris.

 

Dans la France médiévale, l'iris symbolisait la fécondité et le renouveau. Traditionnellement associé à la Vierge Marie, à l'instar du lys, il apparaît dans de nombreuses Annonciations mais il évoque aussi la douleur éprouvée par Marie face à la mort du Christ.

 

 

Dans le Berry, l'expression « flambe de four » désigne l'iris à fleurs bleues, fréquemment planté sur le toit des anciens fours dans un but protecteur.

 

Gaston Bussière (1862-1928), peintre symboliste, Juventa.

 

D'après les anciennes légendes britanniques, des trésors se lovent sous les rhizomes des iris des marais, les lieux marécageux étant associés aux mondes magiques et aux initiations druidiques.

 

Gaston Bussière, Esprits de l'eau. L'iris est l'une de leurs fleurs préférées.

 

 

Au Japon, l'iris est particulièrement prisé. Emblème de protection et de purification, il est « fixé » sur les toits de chaume et ses feuilles, infusées dans l'eau des bains, sont réputées repousser les maléfices et les maladies. Le bain traditionnel d'iris a généralement lieu le 5 mai.

 

 

Ogata Korin (1659-1716), peintre et décorateur japonais de la période Edo. Grand paravent doré: Iris, 1701. Musée d'Art Nezu à Tokyo. Les silhouettes des iris se découpent sur un fond décoré de feuilles d'or.

 

« Pareil à de l’eau

Le jour à travers les nuages

Iris en fleurs. »

Haïku de Moppo Tomita (1897-1923).

 

Ohara Koson (1877-1945), Iris, 1926.

 

« Un iris

près de mon ermitage

m'a enivré. »

Ryôkan (1758-1831), moine errant, poète et l'une des figures majeures du Zen.

 

La floraison des iris annonçait, dans l'ancien calendrier lunaire, la proche arrivée de l'été et l'époque attendue pour repiquer le riz. Lors de la fête des garçons, le cinquième jour du cinquième mois, on suspendait des iris aux toits des habitations pour éloigner les esprits malveillants et on offrait des « iris à longue racine », symboles de chance, de fécondité et de longévité. Les jeunes garçons portaient des coiffes ornées de feuilles d'iris tressées.

 

Iris et sauterelle, Hokusai (1760-1849), Série des grandes fleurs, estampe, 1833-1834.

 

L'iris est libre et mystérieux, il pousse dans les lieux intermédiaires, les marais, les étangs où se dissimulent les créatures de « l'entre-deux ». Il accompagne ceux qui aiment prendre les chemins de traverse et jouer avec le vent, l'ombre et la lumière, les couleurs de la nature. Le poète Bashô nous le dévoile dans ses carnets atmosphériques, au printemps de l'année 1689.

 

« Feuilles d'iris

à mes pieds les nouerai

brides de sandales. »

 

 

L'iris figure dans les armoiries de plusieurs villes: Florence, Bruxelles (iris jaune des marais), Québec (iris versicolore)... et dans les plus beaux jardins de nombreux pays du monde... C'est une fleur universelle !

 

 

L'iris pallida s'épanouit, entre Sienne et Florence, dans les merveilleux paysages de Toscane, gorgés d'or solaire et de parfums capiteux.

 

Florence, la cité de Flore, célébrait autrefois la fleur de lis, figure emblématique de la puissance de la ville et de sa dévotion à la déesse du Printemps. Suite au conflit qui opposa les Guelfes aux Gibelins, les Guelfes victorieux choisirent d'adopter les armes de leurs ennemis mais en invertissant les couleurs initiales. Le lis, autrefois blanc sur champ rouge, devint rouge sur champ blanc. Cf le chant XVI de la Divine Comédie de Dante (1265-1321).

 

La fleur d'iris envahit les jardins de la Renaissance et s'imposa comme symbole protecteur. D'un bleu intense ou d'un blanc nacré, l'iris représente la force du Printemps et la magie féconde de Flore et de Vénus.

 

Alfons Maria Mucha (1860-1939), Fée de l'Iris.

 

En avril et en mai, on peut admirer les paysages de Toscane métamorphosés par le bleu des iris (giaggiolo) et l'envoûtant jardin de l'Iris, créé à Florence en 1954.

 

Jacopo Ligozzi (1547–1626), Iris de Florence.

 

Depuis des siècles, on fabrique à la pharmacie de Santa Maria Novella une Eau d'Iris, (Aqua Flor), merveille olfactive connue sous le nom de Borgo Santa Croce, 6, ode à la luxuriance parfumée de la Ville.

 

Vase signé Émile Gallé (1846-1904), réalisé vers 1900.

 

Auguste François Marie Gorguet (1862-1927), La jeune femme à l'iris et aux ombelles.

 

Déesse et messagère, romantique et tentatrice, puissamment aromatique et gorgée d'une poésie à nulle autre pareille, ainsi resplendit l'iris, fleur tutélaire du Printemps !

 

Iris, Vincent van Gogh (1853-1890), mai 1889, J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Californie.

 

L'iris est une muse, comme en témoigne cette célébrissime peinture, l'une des premières que Van Gogh exécuta à l'asile du monastère Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence, l'année précédant sa mort.

 

Œuvre influencée par l'art et la manière délicieusement mouvante de l'ukiyo-e dont je vous parlais plus haut...

 

 

Iris Fairy par Cicely Mary Barker (1895-1973)

 

Merci de votre fidélité, j'ai été très touchée par les nombreux petits mots reçus à l'occasion de Pâques. Je vous souhaite un joli mois d'avril sous l'obédience des esprits de la Nature... Gros bisous !

 

 

 

Avec des illustrations en supplément, pour vous souhaiter de Joyeuses Fêtes de Pâques 2018 !

 

 

Promenade gourmande, artistique et philosophique sur le thème de l’œuf... Quant aux poissons d'Avril, les coquins se cachent un peu, « supplantés » par cocottes et lapins mais je ne les oublie pas, sourires !

 

Œuf du Premier Avril de la Maison Réauté, crédit photo Réauté.

 

Floris Hendrik Verster (1861-1927), Bol aux œufs, 1915.

 

« Ab Ovo... » Au commencement était l’œuf, promesse de résurrection, que l'on plaçait dans les tombes pour accompagner l'âme des défunts vers un nouveau séjour.

 

 

De l’œuf naît et renaît la vie, quête incessante... Pondu par un initiateur sage et facétieux, le lièvre d'Ostara, la déesse germanique du Printemps, équivalent de la déesse anglo-saxonne Eostre (voir mon article intitulé Mystères et Traditions de Pâques), il signifie que des êtres nouveaux vont briser leur coquille.

 

 

Illustration de Marjolein Bastin

 

L’œuf cosmos

 

Même si l'on écrivait une encyclopédie sur ce thème, on trouverait encore des traditions orales et des récits non étudiés mettant l’œuf en scène comme point de départ du monde et de ses habitants !

 

L’œuf cosmique de William Blake (1757-1827)

 

Il existe une infinité de mythes fondés sur la puissance créatrice et poétique de l’œuf. Dans l'Égypte ancienne (mythe du dieu Thot et de l'Ogdoade Hermopolitaine), dans la mythologie hindoue (mythe de l’œuf de Brahma qui se divise en une moitié d’or et une moitié d’argent), chez les Incas où le dieu Viracocha crée le soleil derrière une immense roche noire, avec la coquille d'un œuf d'où jaillit l'humanité, dans le Japon Shintoïste où le ciel (léger et fluctuant) et la terre (dense) émanent d'un œuf parfumé, dans la Grèce antique où certaines statues du dieu Dionysos étaient représentées avec un œuf dans la main et dans plusieurs sépultures de l'ancienne Russie où l'on plaçait des œufs d'argile pour que les âmes puissent de nouveau s'incarner...

 

Kolobova Margarita, Ilmatar Birth of Nature.

 

Dans le Kalevala (le livre sacré des Finlandais), une déesse nommée Ilmatar sommeillait au fond de la mer. Brusquement, sous l'effet d'un rêve, la déesse bougea et ses genoux émergèrent de l'eau. Intrigué et séduit, le seigneur de l'air, incarné en canard, y déposa un œuf couleur de lune ou d'or. La déesse frissonna, la coquille se brisa et la vie apparut sur toute la terre.

 

Ilmatar, 1860, par Robert Wilhelm Ekman (1808-1873), illustrateur de poèmes populaires et représentant du romantisme finlandais.

 

« Tous les morceaux se transformèrent

en choses bonnes et utiles:

le bas de la coque de l’œuf forma le firmament sublime,

le dessus de la partie jaune

devint le soleil rayonnant

le dessus de la partie blanche

fut au ciel la lune luisante,

tout débris taché de la coque

fut une étoile au firmament,

tout morceau foncé de la coque

devint un nuage de l'air.

Le temps avança désormais... »

 

Œuf de Dragon par Bente Schlick, illustrateur allemand né en 1986.

 

Pour les alchimistes, l’œuf philosophique, l’œuf né d'un dragon ou d'un serpent, est un reflet de l’image du monde. Dans cet athanor, se produit l'émulsion qui permet d'aboutir à la pierre philosophale.

 

L’œuf Orphique de Jacob Bryant (1715-1804), savant, écrivain et mythographe britannique, 1744.

 

Le Mythe Orphique (environ 600 av JC) rapporte qu'au commencement était Chronos (seigneur du Temps), qui engendra Chaos (l'Infini) et Éther (l'aboutissement). Enveloppant le Chaos, la Nuit, « déesse aux ailes noires » stimula l'action créatrice contenue dans l'Éther. De cette « rencontre » naquit l’Œuf d'Argent, réceptacle de l'essence de Vie, qui engendra Phanès, la Lumière.

La Lumière s'unit à la Nuit et le Ciel, la Terre et l'Olympe où règne Zeus, seigneur de l'Éclair et de la Foudre, firent leur apparition.

 

Salvador Dali (1904-1989), Jaune d’œuf Soleil, 1955.

 

L’œuf est un être à la fois organique et associé à une étrange forme de « minéralité » qui a profondément inspiré Dali. Le maître voyait à travers lui la possibilité de relier toutes nos vies : vies antérieures, expériences intra-utérines et renaissances au fil de l'existence.

 

Cette puissante magie d'inspiration et de fécondité imprègne les œufs du folklore pascal.

 

Les œufs rouges de Pâques

 

Dans de nombreux pays, la coutume veut que l'on teigne les œufs en rouge pour célébrer Pâques. Rouge de la vie, couleur du sang, de la passion amoureuse, de la purification des maléfices et de la rédemption des pêchés.

 

 

La matrice de l’œuf est le réceptacle du mystère de la vie. Dans la Perse antique, il existait une fête du printemps, appelée « fête des œufs rouges ».

 

Dans le folklore celtique, le serpent de mer, à la fois géniteur de vie et destructeur de mondes, pondait, la nuit de l'équinoxe, un œuf rouge au creux d'un rocher. L’œuf magique rayonnait comme un soleil incandescent.

 

Dans la symbolique chrétienne, les œufs du Jeudi-Saint, décorés en rouge et « chassés » le dimanche après la messe pascale, évoquent le sang du Christ versé pour la rémission des pêchés.

 

L’œuf rouge de Marie-Madeleine

 

Dans une église orthodoxe, située sur le Mont des Oliviers à Jérusalem, un tableau relate l'offrande d'un œuf rouge à l'empereur Tibère, par Marie-Madeleine.

 

 

Marie-Madeleine demanda à Tibère de réhabiliter la mémoire du Christ. En signe de déférence, elle lui donna le seul œuf qu'elle possédait. L'empereur la mit alors au défi. Il ne trancherait en sa faveur que si l’œuf se teintait de rouge. Elle pria et le miracle se produisit!

 

 

Pour la petite histoire, on disait aux enfants de Vendée que les œufs étaient rouges parce qu'ils avaient « vu » à Rome les cardinaux paraître dans leurs grandes robes écarlates.

 

 

Le Vendredi Saint était autrefois traditionnellement consacré à la décoration des œufs. Les jeunes filles confectionnaient des « œufs d'amour ».

 

 

Pieds nus dans la rosée du matin, elles récoltaient les œufs et les teignaient de rose marbré de rouge puis elles les couvraient de vœux et d'inscriptions comme celles-ci « Par amour et par fidélité. », « Que la force de mon amour te lie à moi. » « Deviens, de mon vivant, celui dont j'ai rêvé en mon dormant. » Elles les cachaient ensuite dans des coffrets jusqu'au lundi de Pâques et elles les offraient à leurs amoureux.

 

 

Les œufs blancs et décorés de fleurs sauvages évoquent les cycles de la lune.

 

 

 

Réputés imputrescibles, les œufs du Vendredi-Saint étaient conservés sur les manteaux de cheminée. Ils offraient une protection contre la foudre, les morsures de serpents, les accidents, les chutes et diverses maladies. On les pensait également capables de « détecter les sorcières » si on leur chuchotait certaines paroles avant la messe de Pâques ou si on les faisait tourner sur eux-mêmes durant l'office.

 

Image Folkstar.pl

 

Leur pouvoir protecteur et magique était amplifié par les couleurs et les motifs dont ils se paraient. Teints en rouge, en violet ou en bleu, ornés d'arabesques, de triskèles, d'arbres stylisés, de soleils, de petits hommes dansants ou de fleurs printanières, ils éloignaient les maléfices, les fantômes et les tempêtes; ils attiraient la chance et la prospérité.

 

A Luzy, dans la Nièvre, la coutume prétendait que si l'on conservait pendant cent ans un œuf pondu le Vendredi-Saint et peint en rouge, son jaune deviendrait un fabuleux diamant.

 

 

Le dimanche de Pâques, les marraines et les parrains offraient à leurs filleuls les œufs du Vendredi-Saint, symboles de joie, de richesse et de sécurité familiale, sur un lit de paille tressé ou dans un panier d'osier.

 

Après le repas dominical, les facétieux de tous âges se livraient à des jeux folkloriques comme la toquette et la roulée.

 

Nikolaï Kochélev (1840-1918) : Enfants jouant à faire rouler des œufs de Pâques, 1855. Musée Russe, Saint-Pétersbourg.

 

La roulée était une sorte de jeu de boules, consistant à lancer, sur un plan incliné ou en s'aidant d'une longue tuile qui formait un petit toboggan, des œufs durs, de préférence colorés en rouge ou en bleu. Le possesseur du coquart, (l’œuf resté intact), dégustait les œufs cassés.

 

« Osterspiele » (Jeux de Pâques), gravure sur bois réalisée en 1880 d’après un dessin original de Carl Röhling (1849–1922).

 

Pour jouer à la toquette, comme vous l'apercevez au second plan de l'image, on tenait fermement un œuf dur, ne laissant dépasser qu'une partie de la coquille, afin de le faire « toquer » contre un autre. Le perdant payait sa tournée de friandises (enfants) et de boissons (adultes)!

 

 

Ces jeux étaient (et sont encore) très répandus en Russie mais aussi dans plusieurs régions de France (Lorraine, Alsace, Franche-Comté etc...). La tradition des Rolling Eggs existe dans de nombreux pays, avec certaines variantes.

 

« Easter Monday Egg Roll » en Angleterre où les participants font rouler des œufs depuis le sommet d'une colline pour « réveiller » les forces du printemps. (Photo geograph.org.UK).

 

Easter Roll en 1911, à Washington, dans les jardins de la Maison-Blanche (1600, Pennsylvania Avenue).

 

D'après certains historiens, cette tradition aurait été initiée par Dolley Madison, l'épouse du Président James Madison, en fonction de 1809 à 1817 mais d'autres chercheurs avancent que ces courses d’œufs auraient vu le jour entre 1860 et 1865, sous la présidence d'Abraham Lincoln (1809-1865). En 1872, des articles de journaux rapportent que les enfants s'amusaient à faire rouler des œufs de Pâques sur les pelouses du Capitole et que cela inspira, en 1876, à des esprits chagrins le vote d'une loi par le Congrès pour interdire ces jeux de plein air.

Ensuite, il semblerait que le président Rutherford B. Hayes, en fonction de 1877 à 1881, ait invité les enfants à venir à la Maison-Blanche pour faire rouler les œufs.

 

Course aux œufs, dans les jardins de la Maison-Blanche, le lundi de Pâques (photo de Chuck Kennedy). Les enfants sont pressés de pousser les œufs sur le gazon verdoyant avec une cuillère dotée d'un long manche.

 

 

Les gourmands collectent chaque année, avec un bonheur indicible, les œufs déposés sur l'herbe tendre ou cachés dans les habitations par le lièvre du printemps mais aussi par les cloches revenues de Rome qui rythmaient jadis, de leur timbre mélodieux, la vie des villages et des villes.

 

 

 

La découverte des œufs, gravure de 1889.

 

Les couleurs des œufs de Pâques

 

 

La couleur la plus répandue est le rouge dont je vous parlais plus haut, couleur du sang et de la vie, qui appelle la protection magique et repousse les forces malveillantes. On obtient un magnifique rouge cardinal en faisant cuire à feu doux des œufs dans du vinaigre avec des rouelles d'oignon.

 

 

Avec le marc de café ou l'écorce de chêne, on obtiendra des œufs bruns que l'on pourra glacer avec un peu de sucre. Les épluchures de radis donneront de jolis œufs rose pâle et le suc de betterave rouge des œufs d'un rose soutenu presque violacé. Les anémones pulsatilles, le jus de myrtilles et les baies de sureau teinteront les œufs en mauve, la racine d'ortie en vert jaunâtre, les feuilles d'artichaut, de lierre ou d'épinard seront à l'origine d'un vert franc...

 

 

 

Les œufs magiques d'Ukraine

 

 

Un rituel très ancien appelé Pyssanki, Pysanky ou Pyssanka, d'après le verbe pysaty qui signifie «écrire», était effectué, en Ukraine, vers l'équinoxe de printemps. Avec une pointe fine, une femme dessinait sur un œuf des formes dentelées à la cire d'abeille puis elle trempait l’œuf dans un récipient rempli de colorant dilué. La cire fondait et la femme reprenait l’œuf pour en redessiner les motifs avant de le plonger dans un bain plus foncé. Pendant qu'elle accomplissait le rituel, d'autres femmes récitaient des prières mêlées d'incantations. Les œufs étaient conservés jusqu'à l'année suivante.

Sur cette photographie issue des collections du Musée Canadien de l'Histoire, on voit une maman ukrainienne et ses enfants accomplir des gestes ancestraux.

 

L'entrée du musée des œufs de Pâques à Kolomiya en Transcarpatie (ua-travelling.com). On y apprend tout sur les œufs depuis les premiers temps du Paganisme.

 

 

Des œufs chargés d'histoire...

 

 

Autrefois, quand l'année commençait, aux alentours de Pâques, les œufs « pâquerets » symbolisaient « officiellement » le réveil des forces calendaires. Avec l'édit de Roussillon promulgué, le 9 août 1564, sous le règne du roi Charles IX (1550-1574), l'année débuta le premier janvier mais l’œuf, aux vertus aussi gourmandes que mystiques, continua d'être échangé comme cadeau majeur.

 

Associé aux différentes théogonies, l’œuf connut, dans toutes les couches sociales et à toutes les époques, une importance historique.

 

Au Moyen-âge, à Paris, les clercs et les étudiants chantaient l'office des Laudes sur le parvis de Notre-Dame. Ils formaient ensuite un joyeux cortège et parcouraient les rues afin de « quêter les œufs » pour le festin pascal.

 

Dans les campagnes de France, les enfants et les jeunes gens accomplissaient leur tournée, de maison en maison, en égrenant des comptines à caractère magique ou des chants licencieux.

 

Jusqu'à la Révolution Française, pendant la semaine de Pâques, les officiers de bouche parcouraient l'Île de France pour y collecter les plus gros œufs. Une fois dorés et bénis, le roi les offrait, en personne, aux gens de sa maison.

 

 

 

Les œufs précieux

 

Les œufs-bijoux naquirent en Russie à la fin du XVIIIe siècle mais en Angleterre, on trouvait des œufs couverts d'or et incrustés de pierres précieuses dès le XIIIe siècle et traditionnellement, le roi de France faisait distribuer des œufs d'apparat à la Cour, entre le XVIe et le XVIIIe siècle. Le roi Louis XV (1710-1774) offrit à sa maîtresse, Madame Du Barry (1743-1793), un œuf abritant une figurine de Cupidon qui connut un grand succès.

 

Cette œuvre est signée par le joaillier Pierre-Karl Fabergé (1846-1920), artiste concepteur de la série des œufs de Pâques impériaux, sous les règnes des tsars Alexandre III (1845-1894) et Nicolas II (1868-1918).

 

L’œuf de Pierre le Grand, 1903.

 

L’Œuf aux douze monogrammes, en émail bleu, or rouge et diamants, 1896, cadeau de Nicolas II à Maria Feodorovna. (Hillwood Museum Washington DC).

 

A partir de 1884, Pierre-Karl Fabergé devint le fournisseur officiel de la Cour Impériale. Sollicité par toutes les Cours d'Europe, il « régnait » sur de prestigieux ateliers qui accueillaient plusieurs centaines d'artisans.

 

Ouvriers Fabergé dans un atelier en Russie, vers 1900. Photo Fabergé SA.

 

Commercialisées de manière internationale, ses créations figurent dans les plus prestigieuses boutiques de Moscou, de Londres et de Paris.

 

L’Œuf à la Poule, en or et en émail blanc, cadeau d'Alexandre III à la tsarine Maria Feodorovna, née princesse de Danemark.

 

 

Il s'agit du premier œuf confectionné par Fabergé, en 1885. La poule en or chatoyant abritait une couronne ornée de petits œufs en rubis. L'impératrice apprécia tant son cadeau que le tsar commanda tous les ans un nouvel œuf au joaillier. Après la mort d'Alexandre III, son fils Nicolas II poursuivit cette tradition jusqu'en 1917, année de la faillite de son pouvoir.

 

L’œuf au cygne, en émail mauve, cristal, or, argent et aigue-marine, cadeau de Nicolas II à Maria Feodorovna en 1906.

 

L’œuf au treillis de roses, 1907, en or, diamants rose-thé et feuilles d'émeraude.

 

Les œufs gourmands

 

 

 

Dans les années 1780, l'apothicaire Joseph Storrs Fry (1769-1835) ouvrit une petite manufacture de pâte de chocolat à Bristol, en Angleterre, sous le nom de « J.S. Fry et Sons ». Il conçut la première broyeuse hydraulique pour fèves de cacao et, convaincu que le chocolat était doté de vertus médicinales, il fournit en « matière première » des salons de thé et de nombreuses officines pharmaceutiques. Après sa mort, ses fils Joseph, Francis et Richard eurent l'idée de mélanger du beurre de cacao, du chocolat en poudre et du sucre, obtenant ainsi une pâte molle facile à verser dans des moules. Le chocolat à croquer était né.

 

Vers 1847, le chocolat essentiellement connu sous forme de boisson put être savouré autrement. Dans les années 1890, apparurent les œufs en sucre coloré et aux alentours de 1900, les œufs en chocolat, en porcelaine et en carton doré, garnis d'une surprise en pâte d'amandes ou en sucre candi.

 

De nos jours, les douceurs pascales continuent d'enchanter les gourmands de tous âges...

 

Lapin et Œufs de la pâtisserie Stohrer dont je vous ai conté l'histoire dans l'article intitulé Gourmandises de Saint-Valentin...

 

 

Je vous souhaite d'excellentes fêtes de Pâques. Gros bisous !

 

Cendrine

 

 

Dans une partie plus intime du jardin où papillonnent les rêveries des promeneurs, se dresse, sous les grands marronniers, un groupe sculpté en marbre blanc. Au fil de mes balades, j'y ai rencontré un fier matou en noble livrée !

 

 

Le monument dédié à Charles Perrault est une œuvre empreinte de poésie, née en 1908 sous le ciseau du sculpteur albigeois Gabriel Édouard Baptiste Puech (1854-1930), pour commémorer un maître de la littérature enfantine.

 

 

 

Dans ce théâtre de verdure, l’œuvre séduit par sa finesse esthétique, son élégance et par le sens du mouvement qui en émane. Commandée en 1903 à l'initiative de Jean Jaurès, elle fut placée au jardin des Tuileries en 1910.

 

Elle se trouvait autrefois plus près du musée du Louvre, vers le Jeu de Paume. En 1998, elle a été déplacée et installée dans un endroit que l'on appelle «  Quinconces des Marronniers ».

 

Le buste de Charles Perrault domine une farandole de trois fillettes et l'un de ses plus célèbres personnages : le Chat Botté.

 

Dans ce monde en vert et blanc, flotte un doux parfum suranné, mélange de rêverie intemporelle et de fantaisie de jadis. En m'enfonçant sous les arbres, je laisse vagabonder mon esprit et je songe à ces forêts mystérieuses, matrices des contes, où se lovent les peurs enfantines. Pas à pas, la féerie m'enveloppe et je salue d'un sourire le groupe virevoltant qui encercle la figure de l'écrivain.

 

Avec grâce et panache, le Chat Botté se dresse devant moi. L'ombre effleure son oreille découverte et sa cape de marbre est joliment animée.

 

 

 

Il arbore un feutre à plume et un collier de souris.

 

 

 

Bien chaussé dans ses bottes seyantes, les bottes de sept lieues, il incarne une figure folklorique très ancienne.

 

 

Facétieux et plein de ressources, ce chat est un Trickster, un farceur chaotique qui voyage à travers les différentes cultures et mythologies. Comme le Bateleur du Tarot, il est le maître des bonimenteurs. Il transfigure la réalité, métamorphose les apparences, façonne à l'envi les situations qui se présentent. Il joue avec la fortune. Il provoque le sort.

 

 

Magicien des mots, Charles Perrault (1628-1703) écrivit Le Maître Chat ou le Conte du Chat Botté à la fin du XVIIe siècle. En 1695, dans le manuscrit illustré intitulé Les Contes de ma mère l'Oye, publié chez l'éditeur Claude Barbin, parut le Chat Botté, personnage industrieux et haut en couleurs qui suscita un véritable engouement populaire.

 

Portrait de Charles Perrault, en 1672, par Philippe Lallemand (1636-1716).

 

 

Le Maître Chat ou le Chat Botté, 1695.

 

Tarot des Chats de Marseille, Le Bateleur ou Magicien.

 

Tarot des Chats de Marseille, le Roi de Deniers.

 

Tarot des Chats Bohêmes, Le Bateleur ou Magicien.

 

Charles Perrault était le frère de Claude Perrault (1613-1688), architecte, médecin, mathématicien, auteur de la Colonnade du Louvre (façade de l'aile est du palais) et Contrôleur général des Finances et des Bâtiments de Louis XIV.

 

Contre l'avis de Le Nôtre et grâce aux liens privilégiés qu'il entretenait avec Colbert, il obtint, comme en témoignent ses Mémoires, l'ouverture du Jardin des Tuileries au public. Il plaida à cet effet « la cause des enfants ».

 

 

Au Salon de 1908, Gabriel Pech reçut une médaille de première classe pour la création du modèle de son monument, un monument qui faillit être placé au Parc Monceau, au Ranelagh ou aux Buttes-Chaumont et fut finalement installé aux Tuileries.

 

On admire de ravissants personnages...

 

 

Trois petites filles qui font la ronde dans leurs atours de marbre blanc...

 

… évoquant les phases de la lune dans le ciel étoilé...

 

Si vivantes...

 

 

 

Le Maître Chat ou le Conte du Chat Botté s'inspire d'un conte de fées italien appelé La Chatte de Constantin le Fortuné. L’œuvre figure dans le second volume du recueil Les Nuits Facétieuses de Giovanni Francesco Straparola (1480-1557).

 

Une chatte emploie, de manière particulièrement savoureuse, la ruse et la tricherie afin d'offrir à son jeune maître désargenté la main d'une princesse. Le Conte de Perrault possède la même trame.

 

Les deux histoires mettent en scène ce qu'on appelle un matagot ou chat d'argent, chat sorcier considéré comme un « chat des moissons » ou « esprit du grain ». Il stimule les forces magiques de la terre et transmet des richesses à un humain sur lequel il a décidé de veiller. Il incarne un ancien dieu de la fécondité qui accomplit, suivant un cycle de vie, de mort et de renaissance, des rituels associés au monde agraire. Ses aventures sont truffées d'éléments symboliques que l'on associe aux anciens cultes des animaux.

 

 

On rencontre des chats facétieux dans des contes de fée indiens, notamment dans le Kathâsaritsâgara (L'Océan des rivières des contes) et dans le Pañchatantra, recueil de contes sanskrits datant du Ve siècle après J-C.

 

En 1634, un Chat Trickster apparaît comme le héros dans le Pentamerone du courtisan et poète napolitain Giambattista Basile (1566 ou 1575-1632). Le chat agit pour rendre riche un jeune mendiant du nom de Gagliuso.

 

D'autres contes mettent en scène des chats ou des chattes plein(e)s de ressources qui n'hésitent pas à recourir à des moyens drôles et peu recommandables pour assurer la fortune de leur maître : un conte breton signé Mr Luzel et appelé « Le Chat et sa mère » ; un conte norvégien : « Seigneur Pierre » ou « le Palais aux piliers d’or », un conte danois. Dans plusieurs contes russes, le rôle du chat est interprété par un renard pourvoyeur en richesses mais ne nous éloignons pas...

 

 

Le Chat Botté (Puss in boots dans le monde anglo-saxon), par Carl Offterdinger (18829-1889), illustrateur allemand.

 

Au fil du temps, le truculent félin n'a cessé d'inspirer les artistes (écrivains, peintres, dessinateurs, compositeurs, chorégraphes...) et à notre époque, il est revenu sur le devant de la scène avec une irrésistible parodie : le Chat Potté. Ce personnage apparaît dans le film d'animation « Shrek 2 ». On le rencontre aussi dans « Shrek le troisième » et « Shrek 4, il était une fin. » Il est le héros du film dérivé « Le Chat Potté » et une série de dessins animés lui est consacrée.

 

Chat Potté !!!

 

 

 

Sur les chemins du conte...

 

 

Un meunier meurt en laissant à ses trois fils son moulin, son âne et son chat.

Le fils aîné reçoit le moulin, le second fils obtient l'âne et le troisième se retrouve doté du chat, ce qui lui occasionne un profond désespoir car il est persuadé de devoir vivre dans la misère.

 

Mais le chat se révèle doué de parole et sous le regard ébahi de son maître, il demande à ce qu'on lui fournisse un sac et une paire de bottes. N'ayant rien à perdre, le jeune homme s'exécute et le chat, satisfait, part à la chasse. Il tue un lapin qu'il s'empresse d'aller offrir au roi, de la part de son maître qu'il a renommé « le Marquis de Carabas » !

 

Le chat et son maître par Carl Offterdinger (1829-1889).

 

Chaque jour, son sac lui sert de piège pour prendre lapins et perdrix qu'il va remettre au roi. Il agit ainsi pendant plusieurs mois puis il décide de « mettre au point » une rencontre entre le souverain et son maître, le prétendu marquis.

 

 

Sachant que le roi doit se promener en bordure de rivière avec sa fille, une ravissante princesse, il invite le jeune homme à aller se baigner.

 

Le roi paraît et pendant que le fils du meunier se trouve dans l'eau, le chat hurle :

-Au secours, au secours, voilà Monsieur le Marquis de Carabas qui se noie !

 

Le Chat Botté, en 1867, par Gustave Doré (1832-1883).

 

Reconnaissant le chat qui lui apporte du gibier chaque jour, le roi ordonne à ses gardes de secourir le marquis. Le chat prétend que des voleurs ont dérobé les vêtements de son maître et le roi fait offrir au fils du meunier un magnifique habit.

 

Bien fait de sa personne, le jeune homme plaît à la princesse et le chat s'en réjouit.

 

Le roi fait monter le « marquis » dans son carrosse et le chat court devant l'équipage. Dès qu'il rencontre un paysan, il lui intime l'ordre, sous peine d'être haché menu, d'affirmer au roi que les terres environnantes appartiennent au marquis. Il finit par arriver devant un somptueux château où vit un ogre...

 

Illustration de Gustave Doré, 1867.

 

L'ogre est féroce mais le chat, qui évolue sans hésitation dans les lieux, le flatte par de subtils jeux de langage et titille son côté vaniteux. En minaudant, le chat vante le pouvoir de métamorphose de son hôte qui accepte de se transformer.

 

L'ogre prend l'apparence d'un lion rugissant et le chat, qui pourrait jouer les effrayés, fait croire qu'il n'est pas très impressionné. Il dit à l'ogre qu'il le serait davantage si celui-ci se changeait en rat ou en souris. Il pourrait alors apprécier toute la puissance de son don... Piqué au vif, l'ogre rapetisse et devient une souris sur laquelle le chat se jette aussitôt. Ainsi, le seigneur du château finit dévoré !

 

Affiche de théâtre, 1928.

 

Quand l'équipage royal parvient au château, le roi est ébloui par tant de magnificence et il est accueilli par le chat qui lui souhaite la bienvenue dans la demeure de son maître, le marquis de Carabas !

 

Définitivement conquis, le roi accorde au fils du meunier la main de la princesse et le chat se retrouve gratifié d'une seigneurie.

 

Affiche de théâtre, 1894.

 

Industrieux, chaotique, beau parleur... c'est ainsi que nous aimons ce Chat et l'engouement pour le conte, territoire initiatique, est toujours bien réel grâce à des films et à des expositions organisées dans les bibliothèques autour des contes de ma mère l'Oye, de Perrault et des frères Grimm, de la littérature de Colportage ou du Cabinet des Fées...

 

Le Chat Botté par Félix Lorioux (1872-1964).

 

Le Cabinet des Fées (ou Collection choisie des contes de fées et autres contes merveilleux), recueil de contes en quarante et un volumes, compilé par le chevalier Charles-Joseph de Mayer (1751-1825) et publié à Amsterdam entre 1785 et 1789, regroupe les écrits d'une quarantaine de conteurs, parmi lesquels Charles Perrault, Madame d'Aulnoy, Mademoiselle Leprince de Beaumont, Mademoiselle de La Force, Mademoiselle Lheritier, Jean-Jacques Rousseau, le chevalier de Mailly...

 

 

Le Chat Botté, affiche s'inspirant du style de Piet Mondrian (1872-1944), peintre néerlandais, pionnier de la Peinture Abstraite.

 

 

Le Chat Botté, affiche s'inspirant du style de Gustav Klimt (1862-1918), (1872-1944), maître de la Sécession Viennoise.

 

On trouve de très nombreux Chats Bottés au château de Breteuil, dans la vallée de Chevreuse, n'est-ce pas, ma chère Zaza (merci pour les beaux articles sur ce château) !!! Et merci à mon amie Laure pour les jolies photos d'un facétieux félin et nos échanges...

 

 

Le monument à Charles Perrault offre une belle occasion de se replonger dans un univers d'enfance et de voyager entre les mondes, en compagnie d'un Maître Chat ! Je veux ajouter que le groupe sculpté apparaît dans un petit livre intitulé « Qui a volé la main de Charles Perrault ? »

 

D'après le synopsis de ce thriller pour enfants signé Claudine Aubrun et paru dans la collection Mini Syros, « Au jardin des Tuileries, la main d'une des statues du monument dédié à Charles Perrault ne cesse de disparaître... Nino, qui a le bras dans le plâtre, mène l'enquête. En voudrait-on au célèbre écrivain ? »

 

 

Merci de vos attentions et de votre fidélité, je vous souhaite un très joli Printemps, avec mes pensées d'amitié !

 

Félinement vôtre !